Das Projekt Transpersonale Landschaften entstand zwischen 2015 und 2017 als ein persönlicher Ausbruch aus meiner Design- und Schmuckpraxis in den letzten sieben Jahren und als Rückkehr zu einem weniger zurückhaltendem künstlerischem Ausdruck, den ich zuvor vernachlässigt hatte.
Ich habe das Projekt mit einer Reihe abstrakter Miniaturzeichnungen mit dem Titel KAMI: Das Spiel von Feuer und Wasser begonnen, die die Feinheiten der visuellen Wahrnehmung im Zusammenspiel von Blau-, Rot- und Gelbtönen untersuchen. Die Konzentration auf diese kleinen und einfachen Zeichnungen eröffnete allmählich meine Vorstellungskraft und führte mich in die Welt der Farben ein. Später wagte ich es, den Handlungsspielraum zu erweitern, indem ich anfing, mit Acryl auf rezyklierten Leinwänden zu malen.
Ich habe ausdrucksstark und automatisch gemalt, ohne nachzudenken und zu skizzieren, aber genau nach dem Gefühl, das ich im Moment hatte. Zu Beginn befand ich mich versehentlich in der Sphäre der Figuration, die ich bald aufgab, und konzentrierte mich stattdessen auf eine Darstellung die den emotionalen und sensorischen Zustand, den ich momentan in mir fühlte auf eine einfache und abstrakte Weise hervorruft. Die Herausforderung dabei war, zu demselben oder ähnlichen Zustand zurückzukehren, in dem ich ursprünglich mit dem Malen begonnen hatte. Dies veranlasste mich dazu, über die konstruierte Natur von Emotionen1 und ihren Ausdruck nachzudenken.
Ich habe die Bilder in sozialen Medien gepostet, um das Publikum von Anfang an zumindest teilweise in meine Arbeit einzubeziehen, nicht wie es üblich ist, die fertigen Werke dem Publikum nur auf der Ausstellung zu präsentieren – denn wie Alois Riegl und später Ernst Kris und Ernst Gombrich im Begriff des Betrachteranteils erkannten: ein Teil der Wahrnehmung des Kunstwerks liegt tatsächlich beim Betrachter selbst. Auf diese Weise hatte ich die Möglichkeit, die Reaktion der Umgebung auf meine kürzlich veröffentlichten Arbeiten zu überwachen, entweder durch direkte Kommunikation oder durch Beobachtung von Strömen assoziativer Gedanken.
Dem Verhalten des Publikums folgend bemerkte ich, dass das menschliche Gehirn die Figuration bevorzugt und Annahmen auf der Grundlage des bereits Erlebten trifft, entweder durch etwas, das von uns selbst erlebt wurde, oder durch etwas, das als Vermittler konstruiert wurde. Ernst Gombrich drückte es so aus: „Es ist die Kraft der Erwartung eher als die Kraft des konzeptuellen Wissens, die es prägt, was wir im Leben sehen, nicht weniger als in der Kunst.“ 2 So überschritt das Persönliche das Zwischenmenschliche oder das Transpersonale, während sich die Bedeutung durch die Augen jedes einzelnen Beobachters, aber auch durch die Interaktion als Ganzes verwandelte und einen zweiten Aspekt erlangte.
Ich habe das Projekt im Jahr 2017 in der Galerie Decumanus in Krk ausgestellt. Einige der Werke aus der Ausstellung wurden später im gleichen Jahr in der Wohltätigkeitsausstellung Künstler der Insel Krk für Teo in der Galerie Šilo in Šilo und 2018 in den Gruppenausstellungen K.O.Z.M.O.G.O.N.I.J.E in Galerie PIKTO in Zagreb und auf der Ausstellung Überblick über das künstlerische Schaffen der Insel Krk in der Galerie St. Nicolas in Malinska ausgestellt wurden.
[1]^ Barrett L.F. (2017); How Emotions are Made: the Secret Life of the Brain; Houghton Mifflin Harcourt
[2]^ Gombrich E. (1960); Art and Illusion: A Study in the Psychollogy of Pictorial Representation; Princeton University Press
Ursprünglich:“It is the power of expectation rather than the power of conceptual knowledge that molds what we see in life not less than in art.”
Weiter entlang können sie das Text Sensorische Manifestation der Freiheit, das von der Meisterin der Kunstgeschichte Bruna Justinić für die Austellung verfasst wurde lesen.
Sensorische Manifestation der Freiheit
„Jeder Künstler taucht seinen Pinsel in seine eigene Seele und malt seine eigene Natur in seine Bilder.“
— Henry Ward Beecher
Obwohl die Zeit verschiedener „-ismen“ in der Kunst längst vorbei ist (denn seit dem letzten Jahrhundert erkundigt jeder Künstler seine eigene, sehr individuelle und spezielle Version) die Werke von Lena Franolić entfalten eine Sensibilität, die zum abstrakten Expressionismus mit einem dem surrealistischen Automatismus ähnlichen modus operandi neigt. Ihre Arbeitsweise erinnert uns an den kreativen Prozess von Schriftstellern, die Bewusstseinsstrom und automatisches Schreiben verwendeten, um in unbekannte Tiefen ihrer eigenen Persönlichkeit einzutauchen.
Die Bilder haben einen ursprünglichen Charakter, der uns an primitive oder indigene Kunst erinnert, deren letztendliches Ziel der Ausdruck des künstlerischen Impulses ist – die Schöpfung für die Schöpfung selbst. Ihre Leinwände können als abstrakt bezeichnet werden, nur weil die Entitäten, die sie darstellt, in der materiellen Welt keine Form haben. Auf diese Weise werden Vibration, Emotion, Intuition, Energie und Inspiration… insgesamt sehr konkrete und komplexe Konzepte auf den Gemälden materialisiert. Abstraktion ist in diesem Sinne wesentlich für das konturieren der transzendentalen Realität, den „transpersonalen Landschaften“, wie die Autorin sie nennt.
Der Betrachter kann es nicht vermeiden, die tiefere, spirituelle Dimension von Lenas Werken zu spüren. Hinter der Oberfläche ähnelt dies manchmal den Formen von Jean Arp /Aussöhnung 2016./, während es in den anderen Werken bereits an Gemälde von Georgia O’Keeffe erinnert /Der Reiz des Feuers I 2016./, /Durchbruch der Magnesiumrose 2017./, dort verbirgt sich eine von den Autoren gesättigte Schicht, die den Geist aus ihrer reichen inneren Welt materialisieren und, offensichtlich für uns, in eine weitere Dimension übertragen möchte. Der Weg, den sie durch diese Odyssee streift, hinterlässt auch Spuren auf den Leinwänden /Enantiodromie 2017./, auf denen sich die Formen als Konturen auf Geografiekarten ordnen, eine warme Harmonie von Farben und Formen verzerren und komponieren.
Nach den Worten von Hegel, dem deutschen Philosophen, Theoretiker der Kunst und Ästhetik, ist es genau die Kunst, die uns den notwendigen Ausdruck für das Selbstverständnis des Geistes gibt. Der Hauptzweck der Kunst besteht nicht darin, die Natur nachzuahmen oder Orte zu dekorieren, an denen wir uns aufhalten, sondern uns die Kontemplation und Freude an den geschaffenen Gemälden unserer eigenen spirituellen Natur zu erlauben. Daraus folgt, dass das Ziel der Kunst darin besteht, uns die Wahrheit über uns selbst zu präsentieren und uns zu ermöglichen, uns bewusst zu werden, wer wir wirklich sind. Ästhetik entsteht also direkt aus der sensorischen Manifestation der Freiheit des Geistes und ein Kunstwerk wird als schön angesehen, gerade weil es unsere Offenheit ausdrückt.
Während sie noch darum kämpfte, die kreative Energie zu befreien oder besser zu sagen kanalisieren, /Kami 2015./ Lena versuchte, die festgelegten Rahmen zu übertreffen (ihre eigenen persönlichen, mentalen und parallelen, die selbst auf Papier festgelegt wurden) und ließ die organischen Formen allmählich ihrem eigenen Fluss folgen, sich frei bewegen und sich entwickeln, um ihr eigenes Leben und daher unvermeidliche Schönheit zu erlangen /Bindu 2016./. Nur durch freie Malerei, ohne vorher festgelegter Vorstellung vom endgültigen Erscheinungsbild des Gemäldes oder einer Beziehung zu den Formen der Außenwelt, kann etwas Neues und Unbekanntes im (Unter-)Bewusstsein des Künstlers gefunden und durch das Werk der Kunst ausgedrückt werden.
Von den großen Leinwänden /Sun Corona 2017./ bis zu den kleinen, sehr intimen weißen Zeichnungen auf schwarzem Papier, in denen sie die Linie mit kalligraphischer Verfeinerung verwendet, / Anfangsgründe 2017./, der Faden der Ariadne ist in allen ausgestellten Werken ein gleichzeitig intensives und zartes weibliches Prinzip, das sich im sehr persönlichen Stil der lyrischen Abstraktion von Lena Franolić präsentiert. Das Jenseits und das Konzeptuelle materialisieren sich durch den intuitiven Ausdruck auf ihren Zeichnungen und Leinwänden.
(Transpersonale Landschaften Katalog.pdf)
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